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萨姆·门德斯，这位第72届奥斯卡最佳导演（《美国丽人》）在20年后，又一次凭借《1917》被奥斯卡提名。他在影片中不仅担当导演，也承担了编剧的工作。《1917》的剧本出自萨姆门德斯的祖父Alfred H. Mendes的经历，电影的末尾也打出“FOR LANCE CORPORAL ALFRED H. MENDES”的字样以示尊重。
这部电影的时间设置在1917年4月6日，这也是第一次世界大战中美国向德国极其盟友宣战的日子。两个仅有16岁的士兵接到任务，将撤兵的命令带往前线。电影采用一镜到底的方式讲述了两个士兵在战场上穿梭的经历。
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一镜到底的概念实际上到今天已经不再新鲜，这个概念起源于希区柯克的1948年电影《绳索》，之后有十几部相同概念（真/假一镜到底）的影片。其中翘楚应该是2014年的《鸟人》，这部电影最后也获得了奥斯卡的最佳影片。
所以事实上，一镜到底已经并不能代表优秀，也不足以让一部电影被提名最佳影片。归根结底，《1917》的出色并不只限于一镜到底的噱头，在技术的惊艳背后，带来的是一种全新的战场沉浸感。这种沉浸感体现在跟随角色进行拍摄时对周围环境的刻画。
我们可以将这种沉浸感比作VR技术。这种感受实际上在《荒野猎人》《鸟人》两部电影中已经获得了呈现。电影中多次将镜头围绕主角进行环绕，让观众能够得到充分感知。
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整部电影明显的时间切换只有一次，这次切换也将电影分为风格略有不同的两部分。前半段中，两位主角主要穿越的是德军撤离后的无人区，气氛在白昼下反而颇有恐怖惊悚的范围；而后半段的单主角穿越了炮火后，上演的则是单骑闯关式的火线穿越。
前半段中，这种摄影模式带来的惊悚体现在两人遭遇德军战机的时刻。迎面而来的德军战机无疑首先给人一种压迫感。这种紧张感一直延续到Schofield打水时身后传来的“Stop! Stop!”并达到巅峰。镜头随之一转，跟随着Schofield的视线，观众才能发现究竟发生了什么。一镜到底的摄影在此刻减少了镜头内的信息量，通过镜头外的声响创造谜题，用镜头移动揭晓谜底。
进入后半段，一镜到底的手法则主要负责创造的是战场上的史诗感。这种感受则在影片最后主角冲过战场时格外强烈，当所有的士兵都从右自左冲向战场，仅有主角Schofield从镜头远端跑向镜头。这种横纵向的交叉强化了戏剧感，Schofield不断被撞倒的画面则增添紧迫感。
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然而，当所有人的注意力都集中在一镜到底上时，这部电影更值得称赞的则是艺术上的创造。战场美感的创造需要拿捏分寸，太唯美则不符合战场氛围，太壮烈则令人痛苦。
《1917》中多次创造富有意向的环境场景，甚至在结构上也有相应的衔接。在前半段中，Schofield和Blake路过一片樱桃树园，两人的情绪似乎从战争中脱离出来，气氛也随之放松。
而经过了Blake的身亡，Schofield的逃脱戏后，Schofield漂浮在水中，身边飘过的花瓣，似乎就是来自之前经过的樱桃树园，无形之中映衬战争对人对环境的破坏。
更无法回避的则是电影中教堂燃烧的恢弘场景。这个场景的照明设备高达五层，动用了2000台，总功率2兆瓦的钨灯进行照明。可以说是电影使用的最大照明设备之一了。
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平心而论，《1917》并不在剧本上出彩，科林·费尔斯和卷福这种熟脸的出现也略微有些破坏沉浸式的观影体验。单论剧本是绝对比不上《西线无战事》《革命之路》这类战争片，故事略显单薄，在最佳原创剧本的竞争中应该难以夺魁。
当Schofield在影片结束时又坐在阳光灿烂的树下，战争带来的疲惫伤感写在脸上。这类细节在《1917》中层出不穷，令人沉醉。辅以出彩的摄影，让《1917》在战争片中不输2017年的大热影片《敦刻尔克》。目眩神迷的一镜到底，出神入化的战场营造，《1917》能在最佳影片上领跑，绝非仅靠技术加持。
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