詹姆斯·霍纳属于大器晚成型的电影配乐家，上世纪80年代初，他便开始在好莱坞崭露头角，但经过了十几年的积累，才真正迎来了自己的第一部成名作：1994年的《燃情岁月》。这是继《光荣战役》后，霍纳再次为爱德华·兹威克执导的影片配乐。在遇到卡梅隆之前，爱德华·兹威克应该算是霍纳最重要的合作伙伴了。
虽然《燃情岁月》在中国拥有一大批忠实影迷，但是在美国本土却被很多人认为是一部结构松散、表演单一、主题假正经的作品。不过，霍纳创作的配乐确是无可挑剔的，它几乎是霍纳最完美的一部作品。
霍纳为影片创作出一系列美不胜收的主题旋律，虽然他向来注重音乐的旋律性，但是在同一部电影配乐中出现如此众多的优美主题，在世界电影音乐史上也不多见。这些乐段无不精雕细琢，唯美动人，交织出一篇又一篇悠然神往、扣人心弦的乐章。这些主题旋律后来也变成了各大媒介经常采用的背景音乐。
同时，霍纳在这部配乐中还融合大量民族音乐素材，比如日本音乐里的尺八。当然，最著名的要属爱尔兰音乐，这是《燃情岁月》中不可或缺的点睛之笔。它融化在了乐章的肌理深处。那些唯美的主题乐段中，都含有爱尔兰民族音乐的鲜明特征，而这种手法，在霍纳随后的作品中得以发扬光大。
在这部宣扬个人英雄主义的史诗巨片中，霍纳将传统交响乐与民族音乐相融合的手法发扬到了极致，成为配乐史上的经典范例。爱尔兰音乐甚至因该片的成功而大受瞩目。音乐中所体现出的质朴清澈、纯情动人，激发了人们内心深处的情感共鸣。
随后，霍纳又完成了另外一部经典之作：《勇敢的心》。这部配乐比《燃情岁月》更加宏大，霍纳在其中加入了更多民族音乐素材，甚至可以看成是对爱尔兰音乐的致敬之作。
就音乐中所体现出的纵深感而言，《勇敢的心》也许比《燃情岁月》更出色，但从这时开始，已经能听出霍纳在旋律与和声创作上的自我重复了。《勇敢的心》虽然依旧拥有唯美哀伤、讨人喜欢的主题旋律，但那些熟悉霍纳风格的人，从音符间的起承转合中，很容易听出似曾相识的感觉。
当然，这些小瑕疵不足以影响这部配乐的成功。今天，《勇敢的心》早已是各大音乐赏析教材和影迷、乐迷撰写的随笔中必不可少的经典范本，它是霍纳的爱尔兰配乐风格的集大成之作，其张驰有度、华丽浪漫的特点在音乐中表现得淋漓尽致。
随后，霍纳又创作了《鬼马小精灵》、《阿波罗13号》等一系列著名配乐。接着便是《泰坦尼克号》。霍纳继续发挥爱尔兰音乐的威力，用哨笛演绎出一曲哀婉的赞歌。
世纪之交的霍纳依旧是不可阻挡的，这一时期，他陆续完成了《佐罗的面具》、《天地大冲撞》、《完美风暴》、《美丽心灵》、《风语者》等诸多名作。
这些配乐大多沿袭了作曲家的固有风格，客观而言，艺术上的独创性并不强。不过相对于后来的作品，它们依旧可以被看做是霍纳经典时期的延续。权威电影原声网站Filmtracks曾发文指出：“霍纳将会因为这些经典作品而在二十一世纪被牢记。”
然而，更加严苛的西方批评家们却一致认为，霍纳音乐生涯的前二十年里，最好的作品是早期的《光荣战役》和《风云际会》。因为自九十年代中期开始，当霍纳迎来事业高峰之时，也是逐渐引起质疑之日。到了二十一世纪，人们不仅记住了最经典的霍纳之声，也从未停止过对他的抨击。
后来的霍纳依旧奉献出《特洛伊》、《灵异拼图》、《空中危机》、《启示录》和《阿凡达》等一系列商业配乐，但总是逃脱不了饱受指责的命运。
熟悉霍纳的乐迷都知道，成名后的霍纳喜欢在不同的配乐作品里，赤裸裸地拷贝自己过去的得意之作，这些被一再使用的片段往往拥有风格强烈的短小动机，辨识度极高，因此只要一出现，很容易被乐迷们的耳朵捕捉到。
这种自我抄袭的作风令其饱受乐评人的攻击，但霍纳却认为，要求一个音乐家每次都写出完全不同的作品是不可能的，因为每位作曲家都有其擅长的音乐语言，即使是莫扎特也不例外（似乎很多配乐家在遭到质疑时，都喜欢拿莫扎特说事）。
对于这样的说辞，乐评人显然不买账，因为他们批评的不是霍纳的音乐风格过于雷同，而是他在不同的作品中一再套用完全相同的音乐片段，而且大多数时候是无意义的重复抄袭。总是在不该煽情的地方胡乱煽情，使得许多片段出现明显的硬伤和突兀感，不仅导致与画面脱节，而且音乐本身也变得浮夸做作。
自经历了九十年代中叶的黄金创作期后，霍纳的创作便开始走下坡路。他不像意大利配乐大师埃尼奥·莫里康内那样总是在自我更新。虽然在好莱坞的电影工业体系下，配乐名家们大多高产，像汉斯·季默那样生产程式化音乐的人有很多，但这与抄袭旧作毕竟是两码事。
即便如此，他的许多配乐作品依旧散发着强烈的艺术魅力，至今为许多乐迷津津乐道。他的旋律才华令其作品很容易脱离电影，大量出现在其它媒介环境中。就作品的传播度而言，电影配乐家里，其实很少有人能够与他相匹敌。
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