电影《且听风吟》（風の歌を聞け），改编自村上春树的同名小说。豆瓣评分7.3，导演大森一树系日本著名导演、编剧。其导演的作品，多次获得日本电影学院奖，最佳导演提名等奖项。本次的《且听风吟》，拍摄于1981年，讲述了“我”与友人们的故事。
该电影由小林薫主演，这位实力派的老戏骨，当年还是小鲜肉。如今，小林薰也活跃在荧屏前，在《深夜食堂》、《白色巨塔》等影视作品中，他都给观众留下了深刻的印象。
影片结合原著，保持着“后现代主义”的风格，用混杂的拼贴方式、漫画式的叙事基调、反常离奇的情节结构，丰富了观众的观影体验，让观众在回忆和遗忘中，走进“我”的青春岁月，感受“我”们的孤独和绝望，再学会释然，望见希望。
后现代主义电影的标志：以反文化的立场颠覆传统艺术电影的深度思考，以消费主义姿态拼贴五花八门的艺术技巧和手段，从蒙太奇转向拼贴的电影语言。
1.回忆式怀旧电影：在回忆与遗忘中，回味那段青葱岁月
《且听风吟》这部小说，当时之所以能打动“群像奖”的评委，还有一个重要的原因，就是它字里行间中充溢着的怀旧和乡愁。拍摄时，导演大森一树，既保留了原著的回忆杀，还在其中穿插了“剧中剧”的幻想，给观众一种时空错乱的既视感，也让观众体验了“后现代主义”风格，带来的冲击感。
21岁的“我”，趁着大学暑假，买了一张回故乡神户的车票。“我”没有回家，而是直接去了“杰酒吧”，因为那里，有等待“我”的朋友。伴随着鞋子摩擦木质地板，发出的“吱吱”声，杰招呼我坐下。
杰是酒吧老板，他是一名旅日中国人。日语说得地道又有趣，他比“我”大20岁左右，是一个有故事的人。在杰的介绍下，镜头一转，吧台正对面，柔和灯光里，微醺的鼠，入了镜。
鼠是“我”的好朋友，犹记得大一那年暑假，“我”和鼠一见如故，在酒精的麻醉下，一起体验了“劫后余生”。镜头拉回到了车祸现场，烂醉的鼠撞翻了车，“我”从天窗爬了出来，而鼠吐了一车后，也毫发无损地爬了出来。从那以后，“我”们变成了生死之交。而所谓的生死之交，无非就是可以一起扯扯闲天、磕磕花生、喝喝啤酒的朋友罢了。
随着回忆的结束，镜头又再次被拉回到了现实。有天晚上，在酒吧“我”遇到了一位喝得烂醉的姑娘。出于好心，“我”带着这位姑娘，回家休息。但是第二天，这位姑娘却认定“我”轻薄了她。她是个没有小指的女孩，既高冷又美艳。后来，与她熟络后，才知道她刚刚堕过胎。
缺指女孩介绍自己时，电影采用了无声字幕的处理方式。正如她不记得“孩子”父亲的容貌一样，“我”也忘记了那些与自己有过关系的女孩姓名。于是，影片又再次回到了“我”的回忆里。用独白的方式，将与“我”有关的3个女孩，逐一拼接了进去。
第一个女孩，是“我”的高中同学。初尝禁果的“我”们，在草坪间、在报纸上大汗淋漓的场景仍在脑海，但那个女孩却早已在毕业时，与我分道扬镳。“我”会想她，也只是在午夜梦回时，想想而已，别无其它。
第二个女孩，是蹲在地铁站，等待嗟来之食的嬉皮士女孩。无家可归的她，被我带回了家。住了几天后，她就留下一张字条，并挥袖而去了。
第三个女孩，是在大学图书馆认识的。“我”们一起看电影、一起谈未来，但是她最终却还是莫名其妙地选择了自杀。
想想这些女孩们，再想想“我”自己，黑白的画面毫无违和感地替换了彩色。一个沉默寡言的孩子，正在接受精神科医生的“语言”治疗。以前的“我”，是一个木讷、且说不出话的孩子，那段记忆永远都会留在“我”的心里，像黑白色的老照片，永远不会褪色。
人生就是如此，有些人或事，你想忘却不能忘；有些人或事，你想记却记不起。在回忆与遗忘中，“我”一边感怀岁月流逝，一边让观众跟随“我”的回忆，看到了与自己有过交集的你我他。
2. 现实中的孤独与迷茫：怀旧与遗忘中，寻求灵魂的救赎
那么，“我”为什么要在回忆与遗忘中，感怀岁月流逝、抒发乡愁情结呢？因为“我”想要寻求灵魂的救赎、想要摆脱孤独与迷茫，带来的惆怅与绝望。在“我”的介绍下，观众跟着镜头，一起走过了“我”的青葱岁月。焦灼疲惫的城市人，终于可以回到故乡，终于可以远离现实，获得救赎。
事实上，20世纪六七十年代，随着日本城市化进程加速，传统的价值体系开始崩溃，人们越来越享受金钱，所带来的满足感。在这样扭曲的社会背景下，人们越来越疏远，日本年轻一代也越来越孤独、越来越迷茫。他们想要改变现状，却又无能为力。于是，一些政治运动、学生运动层出不穷，越来越多的年轻人加入了进来，想要寻求拯救孤独与迷茫的办法。
影片中，鼠就是一个在孤独与迷茫中，不断寻求救赎的人。他虽身为富二代，却不满有钱人的身份，不断尝试“拯救”自己的方法；他既已爱上了一个走不进内心的女人，却还是他一直努力尝试去了解她；而写小说、喝酒、思考，也都是鼠试图摆脱孤独的一种方式。
影片外，原著作者村上春树，也是一个在孤独中需求救赎的人。村上春树是家中独子，从小便学会了独处。常常一个人，看书、听音乐、逗猫，来排解内心的孤独。上大学后，日本爆发了各种学生运动。村上春树虽也加入了其中，但随着运动的夭折，他的热情和理想，也变成了孤独与惆怅。毕业后，村上自己开了一个爵士乐酒吧。身为老板的他，依然忘不了青年时的挫败感，依然无法得到心灵上的解脱。
为了能救赎自己，也为了能救赎当时和他一样，受过伤害的日本人，他用淡淡的忧伤，将身心寄托在甜美的记忆中，用小说道出了那个时代的孤独与迷茫。而故乡则是所有人内心的温暖的港湾，人逃避现在种种痛苦的方式，就是回到过去那段快乐的时光。所以，“我”才会回到故乡，才会想要在故乡得到温暖、排解孤独。
心理学家弗洛姆认为，人也许能够忍受，诸如饥饿或压迫等各种痛苦，但却很难忍受，所有痛苦中最痛苦的一种，那就是全然的孤独。
无论是村上春树，还是电影中的“我”，都无法忍受孤独，所以才会想要回到故乡、回到过去、回到曾经快乐的时光。
3. “距离感”贯穿主题：“距离感”的背后是孤独，也是清醒
人人都害怕孤独，但是孤独却也可以在某些时候，给我们安全感。因为孤独，所以，我们自然而然地与别人，保持着一种“距离感”。而这种“距离感”，却也是人与人之间最安全的社交距离。
美国人类学家爱德华·霍尔曾提出“交际距离理论”：人与人相处，彼此之间都有一个特定距离。这样的距离领域可以划分为四种类型：亲密距离、个人距离、社交距离和公共距离。如果有“非亲密关系”的人踏入这个领域范围，人的心理上，会产生强烈的排斥。
也就是说，每个人都有属于自己的安全距离，一旦有人试图冲破这层“距离”，人类便会浑身不自在。所以，导演大森一树和作者村上春树，抓住了人类这一柔软的一面，以点到为止的态度，告别了自暴自弃的堕落、也没涉及支离破碎的放纵，只给了我们一些浅尝辄止的“距离感”。
。从小到大“我”都是一个沉默寡言的人，14岁时发了疯，喋喋不休地说了三个月的话后，“我”决定今后只说一半的心里话。所以，虽然“我”和鼠是好朋友，但是对于鼠喜欢的女人，我从来都不刨根问底地追问。杰是一个有故事的人，但是他绝口不提自己的往事，“我”也从不曾肆意窥探。就连与缺指女孩交往时，也只是互相陪伴、倾听，始终保持着不越雷池半步的“距离感”。
其实，人与人之间最好的关系，就是保持着彼此的“距离感”。“距离”虽然让人感到生疏和孤独，却也能让人透过“距离”，获得清醒，并重新发现自己。
4. 再看电影的主题：孤独与绝望中饱含希望，茫然与怅然里尽是释然
这部电影拍摄于20世纪八十年代，影片有点意识流，没看过原著的，直接看电影会有些看不懂。虽然影片一直在竭尽全力还原原著，但是在一些细节的处理上，还是有些心有余而力不足。比如，鼠翻车那一段，电影简单地安排了翻车，而没有将车撞到石柱，凹成半圆形的状态还原出来，让书迷在观影时，有种淡淡的遗憾。
不过，影片的不完美，也恰恰暗示了影片的主题。即“没有十全十美的作品，也没有彻头彻底的绝望”。影片的最后，“我”收起行囊，在酒吧看着满地的花生皮、回忆着这个夏天数之不尽的啤酒瓶，转身离开。
这是一段无疾而终的故事，所有人都保持着未完待续的状态。缺指女孩和“我”以后会怎样？杰酒吧之后会不会倒闭？杰会不会回到中国？鼠和他的小说，以及他所爱的女人，又会是什么样的结局？所有的一切都是未知的，也正因为未知，大家才会感到孤独和绝望。
鼠说：“什么也不想，浑浑噩噩地活上500年，比常常思考，只活50年的人，轻松多了。”那些被时代伤害的日本年轻人，之所以会孤独、绝望，是因为他们总是保持着思考。“我思故我在”，正因为他们不愿随波逐流、永远保持自己独到的思考力，才保证了他们在不被理解的孤独时刻，不放纵、不堕落。
回顾村上春树的一生，也曾经历过挫折中的绝望，但他却始终没有放纵自己，任自己沉沦，而是用一种积极、正面的态度，回顾过去的绝望、排解内心的孤独、安抚受伤的灵魂。
其实，无论是原著，还是电影，它们都想要鼓励那些深陷绝望的人，不要堕落、也不要放纵，因为希望总会有的。正如“我”一直记得阅读、学习；鼠一直不放弃自己的坚持；其他人一直不肯向生活妥协一样，所有人都在用自己的方式活着，所有人都没有选择向残酷的现实投降。
这是一部非常值得一看的暖心电影，如果你也感兴趣，不妨看看。
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